全网都在「解构苹果马天尼」，解构主义为何又卷土重来？-筑格

2025/11/25

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最近，你的社交平台是不是也被这杯“解构苹果马天尼”刷屏了？

看起来高级感满满，其实只需要简简单单四样东西：苹果、冰块、金酒、伏特加。如同艺术品一般，让网友直呼：会玩！

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解构苹果马天尼+解构青柠金汤力 © 小红书用户-Fiona--菲菲

连带着“固体杨枝甘露”“肝脆蒜了”，几乎全网都在模仿这种“看不懂但很厉害”的玩法。殊不知， “解构主义”根本不是什么新词。

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固体杨枝甘露-新鲜芒果+西柚粒+干噎酸奶+西米露 © 小红书用户

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肝脆蒜了-猪肝+薯片+蒜片© 小红书用户-甜味钢蛋

这股风潮早已跳出学术圈，悄悄席卷各个领域。从时尚T台、恐怖电影，到先锋建筑……这场酝酿了半个多世纪的高级“反叛”，正在潜移默化地重塑我们看待世界的方式。

解构主义：破解、重组、新生

要了解今天的网红墙，不妨把目光投向历史深处。人类在墙上书写的冲动，几乎与文明史同步。

（1）远古的图腾：权力的宣告与信仰的寄托

到底何为解构主义？

拆解？重组？但不是毫无目的地折腾，而是先把传统规则、固有形态拆成碎片，再通过创意重组，让事物跳出原有框架，衍生出全新的可能。

就像“结构苹果马天尼”，既没有丢掉“苹果+酒”的核心，又拆解了复杂的调整流程，用极简形态重构出社交属性；马丁·马吉拉则拆了旧衣物，重组后打破了“奢侈品=昂贵面料”的偏见。

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Martin Margiela首秀-1989春夏系列 © 小红书用户-NOTEBOOKON

不得不说，这正是解构的精髓：以“拆”只是手段，“重组”出“新”的价值才是目的。

（1）哲学起源：这一切要从20世纪60年代的法国说起，哲学家雅克·德里达为了批判“结构主义”的固化思维，在著作《论文字学》正式提出“解构主义”这一概念。他看不惯传统哲学里“逻各斯中心主义”的执念，也就是那种“凡事必有唯一终极真理”的思维，而是主张通过“延异”（意义在时间和语境中不断变化）和“误读”（跳出固有视角解读）来消解非黑即白的二元对立，强调意义的多元性和不确定性。

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雅克·德里达在《论文字学》中正式提出“解构主义”这一概念，并从解构主义的基本精神出发，重塑了文字概念的历史、深入剖析了以逻各斯中心主义，和言语中心主义为特征的西方形而上学传统。 © 小红书用户-勿我勿固勿必勿意

当然，德里达的思想并非空想，他吸收并推进了海德格尔对“存在”与“语言”关系的深入反思。同时，也延续了尼采反对传统理性主义“绝对真理观”的反抗，本质上可以看做是一场对“标准答案”的哲学反叛。

有意思的是，这场起源于西方的思想运动，如今在东方也找到了知音。中国当代哲学学者蔡祥元深耕德里达思想，他在《语言与解构 —— 德里达与海德格尔的思想交错》等著作中，让解构主义与中国哲学产生对话，让这场“革命”跨越文化边界。

这场思想革命不仅在西方发酵，也通过学者的研究走进东方。

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北京大学哲学博士蔡祥元的著作《语言与解构 —— 德里达与海德格尔的思想交错》图片源自网络

（2）发展脉络：解构主义从不是停留在书本里的理论，而是一路发展，渗透到各个领域。 20世纪70年代，由保罗·德曼、希利斯·米勒、杰弗里·哈特曼、哈罗德·布鲁姆四位核心学者组成的“耶鲁学派”，率先将解构主义带入文学批判，通过解读文本，挖掘背后隐藏的权力关系和意识形态，让文学解读跳出“标准答案”。

到了80年代，解构主义迎来真正的高光时刻。弗兰克·盖里、伯纳德·屈米等建筑师以反理性、碎片化的设计，颠覆“建筑必须对称规整”的传统美学；艺术圈则通过数字重构、装置艺术等形式，挑战大家对“艺术该是什么样”的既定认知。

如今，解构主义早已不止于文学、艺术、建筑，而是渗透到算法分析、医学伦理、社会学、教育学等专业领域。比如，探讨技术背后的权力结构，反思“技术中立”的固有认知，让思想的边界持续扩大。

（3）消退与新生：到了80年代后半期，解构主义逐渐从学术主流退潮。一方面，后现代主义的彻底否定性消耗了它的批判力；另一方面，气候变化、人工智能等现实问题，都需要建设性方案，而非解构主义所强调的“意义多元”“相对主义”。

那么问题来了，解构主义真的过时了吗？

恰恰相反，虽然它不再是主导思潮，但其思维方式早已深深植入文化研究、设计、艺术、建筑扥领域，解构依然核心创造力的来源；更有学者尝试将解构主义与马克思主义、佛学灯思潮结合，试图为这份反叛思想焕发新的生命力。

跨界狂欢：一场持续半世纪的“叛逆”，早已席卷各个领域

当解构主义跳出理论框架，它便不再是书本里的抽象概念。从秀场到餐桌，从展馆到城市地标，解构主义以“拆解+重组”的方式，让每个领域挣脱固有枷锁，绽放出令人眼前一亮的新生命力。

（1）时尚界：不完美才是新美学

当“解构主义”的风吹进时尚界，便打破了“精致=高级”的刻板印象。设计师们拿起剪刀与针线，拆解传统剪裁规则，用破碎的线条、重组的结构，把服饰当做表达态度的媒介。这不是简单的破坏，而是一场关于自由、创意与个性的宣言，让每一件作品都被赋予打破常规的故事。

在马丁·马吉拉手中，解构主义成为颠覆时尚界的利器。他用Tabi分趾鞋、圆肩西装、纯白色调与四角缝线，这些标志性元素，共同构筑出独树一帜的“解构-重构”设计理念。

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Maison Margiela，Tabi分趾鞋 © 小红书用户-Mandyyyy

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Maison Margiela，Tabi分趾帆布鞋 © 小红书用户-beautyistruth

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MM6 25秋冬女装系列 © maisonmargiela.com

川久保玲则以先锋视角解构女性服饰，不对称、破洞、膨胀轮廓、夸张变形的设计，打破了西方审美对“完美身材”的执念，将服饰升华为观念表达的艺术载体。

她认为服装应该“超越性别”，比如，川久保玲1995年推出的Comme des Garçons“Transcending Gender”系列，便通过解构西装与裙子，模糊了男女装的界限。告诉世人，男人可以穿裙子，女人同样可以穿西装。

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COMME DES GARCONS-SPRING/SUMMER-1995-RTW，模糊性别界限，重新定义爱与性别的关系 © 小红书用户-AKIE

脱落的旧墙面，被精心绘制成5幅总面积约127㎡的抗战主题红色教育彩绘。这不仅是一场艺术创作，更是一次深刻的社会教育和情感动员，将国家叙事与地方记忆紧密结合，赋予公共墙可触摸、可感知教育功能。

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COMME DES GARCONS-AUTUMN/WINTER-2025，德比鞋© 小红书用户-_ap

Tory Burch在 2025-26秋冬系列中，将通过可拆卸袖章与不对称拉链，重新定义运动风；Prada 2025-26 秋冬系列则以“原始魅力”对抗数字化完美，刻意保留面料毛边与手工痕迹。

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Tory Burch 2025-26 秋冬时装秀-以“扭曲的美式运动风”为核心 © vogue

Sacai在2025秋冬秀场上更是上演了一场解构重塑的包裹艺术，将不同材质通过缠绕、拼接等手法融为一体，共同将时尚界的结构美学推向新高度。

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Sacai 2025秋冬秀场-将“野性自然”与标志性解构美学结合 © vogue

（2）文学与艺术：拒绝被定义

解构主义不只局限于实体创作，也早已渗透进文学与艺术的肌理。以打破二元对立、挣脱固有定义为核心，让文字、图像突破道德框架，让数字艺术跳出传统边界，在“拒绝被定义”的过程中解锁多元表达，成为呼应时代脉搏的思想载体。

在文学领域，法国诺贝尔文学奖得主安德烈・纪德，以《窄门》《违背道德的人》大胆挑战传统道德的边界，生动体现了解构主义对非黑即白的二元对立的消解。

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安德烈・纪德-《窄门》 © 小红书用户-Ryan

加缪尊称其为“真正的老师”，坦言没有他自己根本写不出《局外人》；连一向狂傲的萨特也曾赞叹“只要读他的作品就能重活一次”。

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加缪-《局外人》 © 小红书用户-浅笑如昔

这场思想的接力随后由美国文学批评家希利斯・米勒，以实证研究有力推动。他在《小说与重复》中，分析狄更斯、哈代作品中的重复叙事现象；在《共同体的焚毁》中，探讨文学虚构与真实共同体的复杂关系；此外，他还通过研究揭示后殖民文学的解构策略，将解构主义批评实践推向新的高度。

数字艺术领域，同样不乏对解构主义的探索。比如，游戏《界外狂潮》就通过故障艺术风格与波普元素的融合，大胆重构了FPS游戏的视觉语言；巴西数字艺术家Tuukzs，则以故障艺术为载体，通过强烈的色彩对比、破碎的几何形状，以及超现实元素，用解构手法打造出令人颅内高潮的梦幻视觉世界。

（3）餐饮界：吃的不是食物，是创意

如今，餐饮界的使命早已不再是“填饱肚子”那么简单。解构主义的闯入，让食物、空间与文化完成三重革新。就像前面提到的解构苹果马天尼，剥离了复杂调制流程，回归苹果、酒与冰的本质，通过极简形态重组，让简单饮品成为承载创意的社交符号。

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解构苹果马天尼 © 小红书用户-厉害的调料盒

电影《菜单》中，那顿充满讽刺与仪式感的高级晚餐，将解构的矛头直指餐饮权威与消费文化，撕开了高端餐饮作为身份象征的虚伪面纱。

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电影《菜单》截影

武汉的上荔晶时代餐厅，与贵阳的“姜”餐酒，则将解构延伸至空间设计。前者以水的起伏节奏为主线，用碎片线条与光影重构用餐场景；

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朗荷STUDIO-上荔晶时代餐厅 © 吴辉

后者则通过打破常规的空间布局与材质运用，重塑人们对餐酒吧的固有印象，让饮食体验与艺术氛围深度融合。

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凡西空间-“姜”餐酒吧 © puyou

（4）建筑界：打破“方盒子”，空间有了情绪

在建筑界，解构主义的介入打破了固有的“方盒子”，为其注入反叛基因。

解构主义建筑兴起于20世纪80年代，作为后现代建筑的重要分支，其哲学基础源于德里达对结构主义的批判，主张以“分解-重组”颠覆传统建筑逻辑，用非对称形态、创新材料与动态空间，让建筑成为承载思想与情绪的艺术载体。

实际上，早在理论形成之前，先驱们便已经开始实践。1981年，彼得·埃森曼设计的哥伦布会议中心，由11条交错的不规则集合体组成，打破了公共建筑的传统样式，尽显分离与破碎感；

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彼得·埃森曼-哥伦布会议中心 © 小红书用户-哈佛老王建筑日记

1983年，伯纳德·屈米规划的拉维莱特公园，以“点、线、面”系统叠印设计，让红色框架与理性网格形成强烈冲突，成为解构主义建筑的经典之作。

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伯纳德·屈米规-拉维莱特公园 © 小红书用户-Yang_Zhu_

这些早期作品奠定了该流派的核心特征，在形态上追求非对称、碎片化，与非欧几里得几何扭曲曲面；在材质上大胆采用轻质金属、纤维混凝土等非常规选择，如盖里设计的华特迪士尼音乐厅，不锈钢表皮极具视觉冲击力；在空间理念上，则彻底颠覆传统，强调偶然性与动态对立，就像屈米所主张的“形式随从虚构”，而非单纯满足功能。

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弗兰克・盖里-华特·迪士尼音乐厅 © Gehry Partners,LLP

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毕尔巴鄂古根海姆博物馆，建馆20周年灯光秀 © Justin Sutcliffe

这一思潮催生了一大批建筑大师及其标志性作品，例如，弗兰克・盖里以华特·迪士尼音乐厅的金属波浪，和毕尔巴鄂古根海姆博物馆的钛合金设计，将建筑华为城市雕塑；

扎哈・哈迪德用维特拉消防站的锐利斜面、广州大剧院的双砾石造型，以及北京大兴国际机场的六芒星结构，勾勒出“上帝的曲线”，重新定义流动空间。

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扎哈・哈迪德-北京大兴国际机场360度摄影作品截图 © Zaha Hadid Architects

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扎哈・哈迪德-北京大兴国际机场 © Hufton+Crow

彼得・艾森曼在法兰克福生物中心，用DNA钢结构将语言学理论转化为建筑语言；丹尼尔・里伯斯金的柏林犹太博物馆、奥斯纳布吕克努斯鲍姆美术馆承载着深刻人文思考；伯纳德・屈米的拉维莱特公园、雷姆・库哈斯的央视大楼、《癫狂的纽约》，以及蓝天组（COOP HIMMELB (L) AU）的维也纳“蓝天住宅”，则各自以独特风格拓展着解构主义的边界。

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